GUBI - Designers
OS DESIGNERS DA GUBIA Dinamarca é mundialmente conhecida pelo seu longo e impressionante património de design, onde uma casa de design como a GUBI deixou a sua marca. Claro que isto não aconteceu facilmente ou sozinho, uma vez que desde 1967 têm colaborado com designers reconhecidos e talentos emergentes de todo o mundo, resultando numa gama cuidadosamente selecionada de mobiliário requintado e de alta qualidade. A GUBI foi fundada em 1967 pelos pais do atual proprietário e diretor executivo, Jacob Gubi, com o objetivo de produzir o mobiliário de design da própria família. Hoje, porém, a empresa é reconhecida por conceber, criar e lançar uma gama de mobiliário, candeeiros e acessórios para a casa únicos que estão a causar furor em todo o mundo. As peças de assinatura da GUBI conseguem evocar emoções e contar histórias com significado que fazem com que os diferentes designs pareçam intemporais e cativantes. A GUBI reúne ícones de design esquecidos do passado com clássicos contemporâneos, criando uma coleção visionária que incorpora 100 anos de história, vendida em todo o mundo. Ao longo dos anos, Jacob Gubi conseguiu manter a visão criativa da empresa através de numerosas colaborações com designers nacionais e internacionais, que, em conjunto, criaram e produziram uma gama de designs estéticos, funcionais, duradouros e, não menos importante, únicos.
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Mads Caprani
O designer de candeeiros dinamarquês Mads Caprani iniciou o seu percurso de design na Louis Poulsen quando utilizaram as suas competências técnicas como engenheiro elétrico. Nesta posição, colaborou com uma série de designers talentosos e proeminentes, incluindo Arne Jacobsen, Poul Henningsen e Verner Panton. A interação com estes visionários despertou em Caprani o interesse pelo design, o que marcou o início da sua grande empresa de candeeiros que gerou um grande sucesso global.
Em 1967, o pai de Mads Caprani, Micheli Caprani, adquiriu a fábrica de candeeiros Rotaflex, à qual Mads Caprani se juntou 10 anos mais tarde com uma clara ambição de deixar a sua própria marca com os seus abajures plissados, que eram altamente invulgares para a sua época, mas que rapidamente se tornaram um favorito entre os seus clientes. Em 1979, o próprio Caprani assumiu a empresa do seu pai e mudou o nome para Caprani Light, transformando a pequena empresa dinamarquesa num grande nome global com filiais em toda a Europa, em Chicago e Wisconsin nos EUA. Com esta mudança geracional, também mudou o seu foco de atenção, passando de abajures para a conceção de candeeiros inteiros, inicialmente em madeira, antes de explorar outros materiais naturais, como o metal e a pedra.
De todos os candeeiros de Caprani, é sem dúvida o candeeiro de pé Timberline que concretizou todas as suas ambições para um design de candeeiro e garantiu o seu legado. O Timberline é um design único e notável com uma estética clássica e intemporal que, naturalmente, o tornou num best-seller instantâneo e o tornou conhecido como o "candeeiro Caprani" em todo o mundo. Caprani morreu em 2014, com 72 anos, depois de realizar o seu sonho de construir uma das maiores marcas de iluminação do mundo. Mas este não foi certamente o fim da sua história. Os desenhos de iluminação de Caprani foram redescobertos e, embora a sua empresa já não esteja em atividade, o interesse por um desenho de Caprani nunca foi tão grande. É, por isso, um grande prazer para a marca de iluminação de renome mundial GUBI trabalhar com a família de Mads Caprani para trazer de volta os seus icónicos candeeiros, para que os seus fãs em todo o mundo possam novamente trazer luz às suas vidas e casas. É também neste contexto que o icónico 'Candeeiro Caprani' está a viver um renascimento com o relançamento do Candeeiro de pé Timberline, disponível numa combinação requintada de plástico branco, bétula e madeira de carvalho.
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Bill Curry
Nos anos 60 e 70, o designer americano Bill Curry conseguiu captar o zeitgeist dessas décadas com os seus designs icónicos de candeeiros que reflectiam o seu maravilhoso ambiente, transformado em ideias simples e inteligentes com narrativas visuais claras. Além disso, a formação multidisciplinar de Curry e a sua exposição a desenvolvimentos de ponta em eletrónica e engenharia de sistemas aeroespaciais deram-lhe a experiência e a confiança necessárias para se aventurar no design industrial e, posteriormente, lançar a sua própria empresa de mobiliário, a Design Line Inc, em 1962.
Curry desenvolveu uma nova norma para a iluminação, que incluía uma peça que fundia suporte, lâmpada e abajur numa única forma orgânica. Foi-lhe também atribuída a autoria do desenvolvimento da primeira forma de lâmpada "total look" que elimina o conceito tradicional de "lâmpada de base" e, em vez disso, explora a lâmpada exposta de uma forma lúdica e independente. É também a partir deste conceito que se centra um dos seus desenhos mais emblemáticos. A Stemlite caracteriza-se pela sua estrutura fina e pelo abajur de vidro opalino de grandes dimensões, criando um visual harmonioso, intemporal e clássico que durará gerações. A série foi desenvolvida com vários modelos em diferentes cores e materiais, todos caracterizados pela combinação simples. Este "look total" foi um sucesso imediato, valendo à sua série um prémio da Industrial Design Magazine para as "Melhores Lâmpadas do Ano", com o Departamento de Comércio dos EUA a apresentar a coleção Stemlite na União Soviética, Jugoslávia e Iraque como os exemplos perfeitos do design americano. Depois de ganhar mais de 50 prémios nacionais de design, em 1969, Curry foi descrito como um dos principais designers da Califórnia, poucos anos antes da sua morte, com apenas 43 anos. O seu legado de design perdura ainda hoje como um dos verdadeiros pioneiros do design americano da era espacial.
Para além da sua icónica série Stemlite, Curry também conseguiu conceber o requintado Obello Portable Table Lamp pouco antes da sua morte, o que significa que nunca chegou a vê-lo em produção ou a dar-lhe um nome. Obello é inspirado na Era Atómica, na Corrida Espacial e na cultura pop que definiu Los Angeles nos anos 70, que evoluiu para a forma visual do candeeiro. Este candeeiro Obello é um design icónico da era espacial que serve como uma peça de afirmação forte, tanto dentro como fora de casa, bem como uma fonte de iluminação funcional.
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Bonderup & Thorup
Em 1969, os arquitectos Claus Bonderup e Torsten Thorup formaram-se nas Escolas de Arquitetura da Academia Real Dinamarquesa de Belas Artes e começaram a trabalhar para o arquiteto dinamarquês Henning Larsen em Copenhaga. A partir daí, os dois arquitectos iniciaram uma colaboração que se estendeu pela maior parte das suas carreiras e resultou numa série de projectos notáveis.
As obras de Thorup e Bonderup caracterizam-se pela sua simplicidade honesta e clássica, com uma grande atenção ao pormenor e à qualidade, o que é particularmente evidente no Semi pendente de 1968. Mas foi só nos anos 80 que o design dinamarquês, então campeão de vendas, alcançou o reconhecimento mundial e o estatuto de ícone, tornando-se um favorito em muitos interiores diferentes em todo o mundo.
O pendente Semi tem um design clássico e único, com um distinto abajur curvo em metal esmaltado que proporciona uma luz difusa, agradável e cónica, tornando-o ideal por cima da mesa de jantar ou na cozinha. Devido à leveza da forma, ao design único e intemporal e às diferentes cores e tamanhos disponíveis, o pendente Semi é um design muito versátil que se adapta perfeitamente a todos os tipos de ambientes, tanto em espaços privados como públicos.
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Corsini & Millet
Barba Corsini foi um importante arquiteto funcionalista que ganhou vários prémios internacionais pelos seus projectos para o edifício La Pedrera em Barcelona. Corsini inspirou-se muito no arquiteto alemão Mies van der Rohe e no arquiteto americano Frank Lloyd Wright. O estilo de design pessoal do arquiteto espanhol pode ser adequadamente descrito como "simplicidade poderosa", que também foi claramente representada pela sua coleção Pedrera.
O talentoso arquiteto Joaquim Ruiz Millet fundou a Galeria H20 em Barcelona em 1989, onde foi proprietário, agitador cultural, curador de exposições e editor de livros e objectos de design. Em 1991, aquando do restauro de La Pedrera, descobriu a beleza do maravilhoso candeeiro de pé PD2, que evitou que fosse deitado fora. Ruiz Millet quis salvar as obras de Corsini e torná-las mais conhecidas e acessíveis ao público. Assim começou a sua colaboração com Corsini no relançamento dos projectos originais que tinha criado para La Pedrera.
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Gabriella Crespi
A designer e artista italiana Gabriella Crepsi completaria 100 anos em 2022, data que a GUBI assinala com a entrada em produção da coleção Bohemian 72, 50 anos após a sua apresentação. Ao longo da sua extraordinária carreira no mundo do design, conseguiu alternar sem esforço entre a realeza da Europa e o jet set de Hollywood, onde o seu inegável glamour e sofisticação a tornaram a musa do estilista Valentino e trouxeram Audrey Hepburn, Gianni Versace e Hubert de Givenchy para o seu círculo social. A estética de Crespi caracterizava-se pela dualidade entre o funcionalismo modernista e o barroco e pela alternância entre linhas simples e curvas sensuais.
Bohemian 72 é uma coleção de rotim elegante, flexível e refinada que reflecte o fascínio de Crespi pelas formas esculturais e a sua curiosidade pelas culturas orientais. Durante a sua vida, estas peças exclusivas foram produzidas apenas para clientes privados, mas hoje, 50 anos após a sua primeira apresentação, a GUBI trabalhou a partir dos seus desenhos originais e deu vida a esta coleção excecional pela primeira vez. A coleção inclui uma poltrona, um sofá de três lugares, um banco e um candeeiro de pé - e pode encontrar este candeeiro de pé único aqui.
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Louis Weisdorf
Entre os arquitectos e designers industriais dinamarqueses mais influentes e conhecidos, Louis Weisdorf vem naturalmente à mente. Weisdorf descrevia-se a si próprio como um especialista em versatilidade, o que resume bem a sua carreira fenomenal e notável, que incluiu uma colaboração com os Jardins Tivoli em Copenhaga, uma empresa de arquitetura de sucesso e uma série de designs excepcionais, incluindo Multi-Lite e os pendentes Turbo - e hoje vários dos seus designs são mundialmente conhecidos e muito procurados como artigos de coleção.
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Robert Dudley Best
Para além de ser o herdeiro do maior fabricante de iluminação do mundo, Best & Lloyd, Robert Dudley Best era também um ávido entusiasta do design, com um grande interesse em quebrar as barreiras entre os benefícios industriais e artísticos, um interesse também partilhado pelo seu amigo Walter Gropius. Walter Gropius foi também o fundador do movimento Bauhaus, que tomou a Europa de assalto com as suas linhas e estilo rigorosos e limpos, que Dudley Best foi altamente influenciado. Foi também durante este período que foram feitos os primeiros desenhos para o icónico design Bestlite.
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Space Copenhagen
Signe Bindslev Henriksen e Peter Brundgaard Rützou fundaram o estúdio de design Space Copenhagen em 2005, criando mobiliário, candeeiros, objectos refinados e instalações de arte, bem como arte decorativa para casas particulares, hotéis e restaurantes em todo o mundo. A ambição da dupla de designers é criar novas formas de equilibrar os opostos e criar contrastes, incluindo o clássico com o moderno, o industrial com o orgânico, o escultural com o minimalista e a luz com a sombra.
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Gio Ponti
O arquiteto, designer e editor italiano Gio Ponti é reconhecido como um dos visionários mais influentes do século XX. Ao longo da sua carreira, Ponti desenhou uma variedade de mobiliário e produtos, desde armários, candeeiros e cadeiras a cerâmicas, objectos de vidro e espelhos. Também construiu edifícios, incluindo o icónico arranha-céus da Torre Pirelli em Milão e o Museu de Arte de Denver, que foi construído em 14 países. Através da sua própria revista de design, Domus, promoveu a curiosidade e a abertura em relação ao design inovador.
Os projectos de Ponti foram altamente influenciados pelo lema "la dolce vita", permitindo que as pessoas se rodeassem de bom design para melhor desfrutarem da vida ao máximo. Este estilo de vida italiano vibrante reflecte-se claramente na sua carteira, que continua a inspirar artistas e designers no futuro. Atualmente, muitos dos seus modelos são adquiridos por coleccionadores experientes que pretendem dar um toque de estética italiana e de elegância sem esforço aos seus interiores.
Entre a sua requintada gama encontram-se os espelhos F. A. 33, originalmente concebidos em 1933 para o mais proeminente fabricante de candeeiros, vidro e espelhos da época, FontanaArte, que Ponti e Pietro Chiesa fundaram alguns anos antes. F. A. O espelho 33 tem uma forma ligeiramente curva e um aspeto icónico e intemporal que dá um toque fino e elegante a qualquer estilo de interior.
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Jacques Adnet
O arquiteto francês e modernista Art Déco Jacques Adnet foi um ícone do modernismo francês. Em 1925, foi reconhecido como um dos jovens designers mais promissores tanto pelo Salon d'Automne como pela Les Expositions des Arts Decoratifs - e até hoje continua a ser um dos designers franceses mais honrados, cujo trabalho duradouro e inovador continua a ser muito procurado. Ao longo da sua carreira, Adnet foi sempre um dos primeiros artistas a expressar novas tendências, tendo sido também um dos primeiros designers a combinar couro e vidro na estrutura e decoração de uma peça de mobiliário - o que é também o caso dos seus espelhos Adnet.
Em 1950, Jacques Adnet estabeleceu uma parceria com uma famosa casa de moda francesa, para a qual desenvolveu uma linha de mobiliário e acessórios para casa discretos mas notáveis, revestidos a pele. Concebeu um espelho redondo em pele, elegante e distinto, com pormenores requintados que o tornam particularmente apelativo e decorativo no interior. Para além da pele única e dos detalhes em latão polido, o espelho Adnet também está disponível em diferentes tamanhos e em formas quadradas e circulares, acrescentando um toque escultural e intemporal ao corredor, ao quarto ou à casa de banho, onde são altamente decorativos.
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Mathieu Matégot
Mathieu Matégot foi um designer, arquiteto e artista húngaro versátil, independente e autodidata que passou a maior parte da sua vida em Paris, onde se estabeleceu em 1931, depois de se formar na Escola de Arte e Arquitetura de Budapeste. Em 1939, alistou-se como voluntário no exército francês, após o que foi mantido prisioneiro na Alemanha até à sua fuga em 1944. O seu cativeiro durante a guerra foi um período importante na carreira de Matégot, pois foi aqui que se familiarizou com o material e a técnica inovadores a que chamou Rigitulle, que mais tarde se tornaram o traço mais caraterístico da sua obra.
É por esta técnica e material pioneiros que ele é mais conhecido, que mais tarde patenteou para acrescentar a todos os seus projectos. Produziu sempre uma quantidade limitada de produtos, até 400, o que se manteve até à década de 1960, altura em que Matégot interrompeu subitamente a produção e começou a trabalhar com tapeçarias, o que continuou a fazer até ao fim da sua carreira. Tal como os têxteis, Rigitulle também podia dobrar-se, dobrar-se e moldar-se para dar aos móveis que concebia uma transparência, leveza e modernidade duradoura.
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Paavo Tynell
"O homem que iluminou a Finlândia" - é assim que o pioneiro designer de iluminação finlandês Pavvo Tynell era carinhosamente chamado. Tynell foi um dos fundadores da Taito Oy, onde se tornou o primeiro fabricante industrial de aparelhos de iluminação na Finlândia. Tynell tornou-se um designer mais proeminente nas décadas de 1930 e 40, colaborando com alguns dos mais reconhecidos e famosos arquitectos finlandeses, incluindo Alvar Aalto como um dos mais notáveis. A empresa de Tynell, Taito Oy, produziu luminárias para os principais projectos de Alvar Aalto, como o Sanatório de Paimio e a Biblioteca de Viipuri.
Tynell foi especialmente distinguido pelo seu trabalho no estúdio de design "the Finland House" em Nova Iorque, que apresentou o impressionante trabalho de designers e artesãos finlandeses. Os seus elegantes designs em latão tornaram-se um sucesso imediato na América do Norte e começou a criar designs de iluminação para a prestigiada empresa americana Lightolier. Tynell era um mestre artesão excecional, criando os seus projectos a partir de uma estética tradicional com uma sensibilidade moderna combinada com uma utilização extensiva de latão perfurado e polido como seu material principal.
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Greta M. Grossmann
Greta M. Grossmann, ícone do design sueco, conseguiu manter uma longa carreira de 40 anos, tanto na Europa como na América do Norte, onde foi extremamente ativa e influente no mundo do design, dominado pelos homens. Teve muitas realizações impressionantes, todas elas relacionadas com o design industrial, o design de interiores e a arquitetura. Em 1933, completou os seus estudos na famosa instituição de arte de Estocolmo, Konstfack, após o que emigrou para Los Angeles com o seu marido, Billy Grossman. Aqui abriu uma loja muito publicitada em Rodeo Drive, onde foi uma das primeiras a trazer a estética escandinava moderna para o sul da Califórnia. A sua abordagem única ao modernismo sueco foi um sucesso imediato em Los Angeles, e não demorou muito até que ela tivesse acumulado uma clientela de clientes famosos.
Entre todas as suas realizações em design e arquitetura, é mais conhecida pelos seus desenhos industriais, sendo o candeeiro de pé Gräshoppa e o candeeiro de mesa Cobra algumas das suas obras mais famosas.